ANTECEDENTE HISTORICO TECNICA SERIGRAFICA

LA SERIGRAFIA

La serigrafía era una técnica de impresión empleada en el método de reproducción de documentos e imágenes sobre cualquier material, y consiste en transferir una tinta a través de una gasa tensada en un marco, el paso de la tinta se bloquea en las áreas donde no habrá imagen mediante una emulsión o barniz, quedando libre la zona donde pasara la tinta.

El sistema de impresión es repetitivo, esto es, que una vez que el primer modelo se ha logrado, la impresión puede ser repetida cientos y hasta miles de veces sin perder definición.

• El procedimiento de impresión es muy utilizado para hacer reproducciones de arte y de anuncios; en la reproducción de obra de arte, pinturas, dibujos, carteles, etc.

 

• En el estampado de tejidos, camisetas, vestidos, telas, corbatas, material de deporte, calzado, lonas, y en todo tipo de ropa.

• En la impresión de calcomanías y etiquetas. Calcomanías al agua y secas, etiquetas en complejos o materiales autoadhesivos (papel y policloruro de vinilo (PVC)), calcomanías vitrificables para la decoración de azulejos, vidrio y cerámica.

ROY LICHTENSTEIN   

Roy Lichtenstein (Nueva York, 27 de octubre de 1923 – Nueva York, 29 de septiembre de 1997), pintor estadounidense de pop art, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic.

Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederic Remington.

Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.

TECNICA SERIGRAFICA

BODY ART TRABAJO

BODY ART ( pierna). Experimentación con el color, pintura corporal de tipo natural. Tecnica mixta. 

BODY ART ( pierna). Experimentación con el color, pintura corporal de tipo natural. Tecnica mixta. 

BODY ART (en el cuerpo zona del pecho y parte del brazo). Experimentación con el color, pintura corporal de tipo natural. Tecnica mixta. 

BODY ART 

En el body art se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce... el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. También suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior. Yves Klein, Bruce Nauman, Vito Acconci, Youri Messen-Jaschin tuvieron su fase en este movimiento.

 Debido a lo efímero y poco trascendente que resulta  el Body Art y la Pintura Corporal, cobra mayor significación los registros Audiovisuales de estas manifestaciones artísticas. Todo esté argumento teórico se ve sustentado bajo la compilación fotográfica de imágenes de mis trabajos realizados.

TRABAJOS LITOGRAFICOS

MARIPOSA . Litografía.

1/5 tamaño 30 x 40.

MARIPOSAS. Litogafía.

1/5 Tamaño 30 x 40

DEDOS. MONOTIPOS. 

7/7 Tamaños 30 x 40.

MARIPOSA. Litografía.

1/5 Tamaño 22 x 30.

EXPLICACIÓN DE MI ANTECEDENTE HISTORICO Y DE LOS DESCRIPTORES

   

Mi trabajo plástico  consiste  en la representación de imágenes. Mediante el dibujo y el uso de técnicas plásticas trato de representar dichas imágenes  sean de mi invención creativa o imágenes de la vida cotidiana (animales, personas, objetos etc).

  Yo trato simplemente de crear con ellas o simplemente copiarlas bajo una técnica o técnicas  de mi conocimiento o invención.  En ese sentido trato de experimentar con la  técnica, con el color, con el soporte. Si el objeto o imagen representados se adapta más a determinado color, bajo que soporte se trabaja mejor, bajo que  técnica, con que  material entre muchas mas inquietudes. Siendo también de mi  importancia la idea si observo determinada cosa, objeto, persona o color y mediante estos se me ocurre la idea de que ello lo puedo representar bajo una técnica gráfica (litografía, serigrafía,  entre otras) pictórica etc trato de expresar o representar mi idea.

         De esas ideas es de donde  proceden los trabajos y es de los trabajos ya elaborados donde ocurren las reflexiones e incluso las explicaciones de los mismo lo que me motivo a realizarlos de alguna manera. Y en este sentido siento que el texto sobre el arte medieval presente como “ANTECEDENTE HISTORICO” explica de alguna manera lo que yo hago como trabajo plástico, aun cuando no vea mi trabajo vinculado con el de determinada persona, artista o proceso.

Tecnicas que trabajo las tecnicas graficas, el stencil, el dibujo, me gusta trabajar también el body art y las intervenciones a objetos o imagenes.

ANTECEDENTES PERSONALES

Yo diría que mi trabajo o mis trabajos comienzan de pequeño con la inclinación de querer dibujar en un primer momento.  Ya estudiando en la universidad es donde me doy cuenta de los elementos plásticos presentes en los trabajos que hago y es en ellos mismos  donde  mediante la observación y la reflexión  me doy cuenta de que es lo que  hago, para así poder  conseguir una explicación acertada y correcta dentro de lo que serian los parámetros de las artes.

Yo hago dentro de lo que me guste lo que sea; basado en la idea de que todo objeto se puede pintar me gusta pintar cualquier cosa, realizarle intervenciones, libres o pensadas entre otras. El  dibujo y la pintura serian los elementos siempre presentes, siendo las bases de todo lo que hago. Y en ese sentido mediante técnicas plásticas de mi conocimiento o indagación propia trato de crear llamase intervenciones sobre objetos, dibujos, trabajos gráficos etc.

 

ANTECEDENTES HISTORICOS

EL SIGNIFICADO EN LAS ARTES VISUALES

Autor Erwin Panofsky

 

Capitulo 10 TEORÍAS DEL ARTE

Capitulo 10.4 “Las Artes Bellas”

 

        “En la imagen no hay nada que adorar o venerar, ésta crece o disminuye en belleza por el ingenio del artista: imagines pro artificis ingenio in pulchritudine et crescunt et quodam mod minuuntur. La imagen no tiene valor porque represente un santo, sino porque está  bien hecha y está compuesta con material precioso. Tomemos una imagen de la Virgen con el niño, nos dice Teodulfo; es sólo el titulus escrito debajo de la estatua el que nos dice que ésta es una imagen religiosa. La figura en sí representa una mujer con un niño en brazos, y podría tratarse prefectamente de Venus que lleva a Eneas, o Alcmena con Hércules, o también a Andrómaca con Astianactes. Dos imágenes que representan una a la Virgen, la otra a una diosa, similares por figura, color y material, difieren sólo  por el título”

        “Se trata de una afirmación verdaderamente vigorosa de la exclusiva plasticidad del lenguaje figurativo (que evidentemente está en contraste con la poética del la catedral y el alegorismo de la escuela de Suger). La estética de los Libros Carolinos es una estética de la pura visibilidad  y es al mismo tiempo una estética de la autonomía de la obra figurativa. Es verdad que la polémica lleva aquí al autor a acentuar este valor, mientras que la cultura carolingia abunda en afirmaciones de desconfianza hacia la falsedad de ciertas fabulas paganas. De todas maneras, este texto está lleno de observaciones sobre obras de arte, vasijas, molduras, pinturas y miniaturas, trabajos de orfebrería, que revelan el gusto exquisito de su autor, junto con los episodios de amor por la poesía clásica de los que es rico el renacimiento carolingio.

        Mientras los teólogos elaboran estos esbozos de teorías del arte, se formaba una rica literatura técnica mediante tratados y preceptos. Dos de los primeros manuales son el De coloribus et artibus romanorum y el Mappa clavicula, en los cuales los elementos técnicos se mezclan con las memorias del clasicismo y con fantasías del bestiario. Estos y otros tratados son, sin embargo, ricos en observaciones estéticas, que manifiestan la clara conciencia de un vínculo entre estético y artístico, y de notas sobre los colores, la luz las proporciones.

        En el siglo XI tenemos, además, la famosa Schedula diversarum artium del monje Teófilo, descubierta por Lessing en la biblioteca de Wolfnbüttel. Para Teófilo, el hombre, creado a imagen de Dios, tiene la posibilidad de dar vida a las formas; el hombre descubre por casualiad y por reflexión en el propio ánimo las exigencias de la belleza, y en virtud de una ascensión fabril se convierte en dueño de una capacidad de arte”.